解放前上海音乐学院理论作曲专业的历史回顾

文章简要回顾了解放前上海音乐学院理论作曲专业的20年历程,深切缅怀了在艰苦创业过程中,为奠定理论作曲专业基础培养理论作曲人才,为我国的音乐创作、音乐教育事业作出过卓越贡献的前辈们,以此作为作者对母校建校80周年纪念的一点微薄献礼。

传承 发扬 探索——上海音乐学院作曲学科近年来发展回顾与总结

2023年7月24日,教育部公布了2022年国家级教学成果奖获奖项目,上海音乐学院申报的《作曲技术理论研究生人才培养模式创新与实践》(完成人:徐孟东、钱仁平、周湘林等)获评“高等教育(研究生)国家级教学成果二等奖”,①这是教育部首次设立研究生教学成果奖并颁给作曲学科,影响深远。

观察与思考——“2022首届上海当代音乐节”叙事

“2022首届上海当代音乐节”共演出10场音乐会,举行3场驻节作曲家学术讲座及“青年作曲家当代音乐论坛”和“百川奖”高峰论坛。音乐节期间的音乐会、讲座和论坛全面展现了中国现代音乐教学、创作、表演与理论研究的成果,以及当代音乐家在中国特色社会主义新时代的探索和追求,并将中国与西方的碰撞、当代与未来的交汇作为文化语境,生动诠释了音乐节“上海·世界当代·未来”的文化主题,以期激发人们对当代音乐和中国当代音乐的深刻思考。

物理音响、生理音响、文化音响——时空转换中音乐音响观念的相对性研究

基于数学的物理音响不同于个体听觉听到的生理音响,更不同于一定文化背景下社会人群基于审美心理所感知的文化音响。音乐感知是听众对客观音响的主观反映,是特定时空中的社会文化行为,故其审美标准不可能一成不变,尤其不能机械套用西方传统音响观念分析或创作中国音乐。音乐音响观念在“古、今、中、外”等不同“时间—历史时期”、不同“空间—地域文化背景”中既有其建立共同审美标准的共性认知,也有其建立不同审美趋向与追求的个性逻辑,故不同历史阶段、不同民族音乐应用不同的法则去分析和创作音乐,以免产生迥然相异的价值判断。事实上,音乐及其价值判断从来都不是以客观物理音响为基础的,而是以生理音响、文化音响为基础的。这也说明音乐音响观念在时空转换中是具有相对性的。

贝尔格两首艺术歌曲中音级集合关系的分析——以《四首歌曲》(Op.2)中的第二首、第三首歌曲为例

奥地利作曲家阿尔班·贝尔格的《四首歌曲》(Op.2)是其代表作之一,其中的第二首、第三首歌曲的音级集合关系颇具特色,深入探究可服务于音乐创作实践。以作品在音级集合关系上的特征为主要分析目标,采用音级集合分析策略对《四首歌曲》中第二首歌曲、第三首歌曲中的音级集合关系进行系统性分析解读。研究表明,这两首歌曲在音级集合关系上兼具对比性和统一性;第二首歌曲钢琴声部的音级集合关系表现出较强同质性;相较于第二首歌曲,第三首歌曲钢琴伴奏声部的音级集合关系没有呈现出显著同质性。作品分析过程对于作曲实践具有启发价值:采用音级集合技法创作时应当尽量较多采用关系相近的音级集合,需要增强音乐的对比性时可考虑运用关系极远的音级集合。

论音乐节奏结构中的二元关系——对趋向于稳定的二元关系的讨论

本文主要对音乐节奏结构中趋向于稳定的一些二元节奏关系进行讨论。这些讨论将帮助我们进一步了解音乐的节奏在实际运动是如何获得一种稳定的状态。

2004上海“音乐学学科回顾与展望"研讨会开幕式致词

尊敬的各位音乐学专家学者,来宾们、朋友们: 大家好! 首先请允许我代表上海音乐学院,向所有参加本次学术研讨会的代表、向所有远道而来的音乐学专家和朋友们表示热烈的欢迎!

中国当代音乐创作中的五声性调式和声形态与技法

中国传统音乐在长期的发展历程中,产生了多声部音乐的萌芽,但应该说,并没有产生像西方大、小调体系和声那样具有体系意义的和声技法与理论。总的来说,20世纪以来,中国专业音乐创作中和声技法的发展可以分为“套用西方传统”“融合民族风格”“补课现代技法”“追求以乐为本”等四个阶段。当然这些阶段并非泾渭分明的,而是相互重叠,只是大体上体现了时间的先后顺序。

论节奏与节拍的关系———对二者概念的评价与讨论

文章用两种节奏观(静态的与动态的)来讨论节奏的概念,又通过对“节奏———节拍”这种二元结构关系的讨论来说明节奏与节拍这二者的同一性问题,亦即把节拍视为节奏。

论音乐的节奏结构——对其中诸要素的讨论

文章将对节奏结构的不同要素进行讨论。其中既涉及到个别要素的讨论,同时也涉及到这些要素彼此之间的关系。其目的在于,通过对这些要素的进一步的认识,加深对节奏结构的理解,从而进一步把握节奏在音乐作品中的作用。

《风的回声》的音色织体与结构途径——兼论现代音乐创作中织体的结构功能

20世纪以来 ,现代音乐创作的突破口与着眼点主要集中在音高、节奏、音色等方面 ,并且呈现出越来越复杂的态势。刘健的《风的回声》则另辟蹊径 ,甚至反其道而行之 :放弃了复杂的音高逻辑 ,繁复的节奏组织 ,斑斓的音色调配基础 ,主要是在 16支大竹笛所构成的同一音色基调上 ,通过“常规”、“颤音”、“气声”以及“花舌”等四种主要演奏法所分别形成的音色“旋律线”,并以复调特别是微复调的方式所编织的不同音色“织体”,在空间中的“传递”、“渗透”、“扩散”、“分层”,来形成“声音 /画面”的运动感。本文主要通过对《风的回声》各段落织体的纵向构造形态与横向运动方式的考察 ,揭示作品各种织体形态——作为这部作品的首要结构力要素——整体上有机布局的内在逻辑 ,从而全面地展示作品微观与宏观层面上的结构途径。

“宏复调”织体形态及其结构功能——何训田《声音的图案》之三音乐分析

相对于具有现代音响特性与显著时代特征的“微复调”织体,技术手段与之“相反”,音响状态与之“相成”,音乐发展线索更为隐性,并且在形成音乐作品的宏观结构方面更具逻辑性和更强生成力量的“宏复调”织体形态及其结构功能,则在理论与实践两个方面都还没有引起相应的重视。本文以“微复调”作为“相反相成”的比照对象,结合对何训田《声音的图案》之三个案的具体技术构成分析,对“宏复调”织体形态及其结构功能进行了初步的探讨与引申。论文认为:相形之下,“最正统的复调织体”,更多的是一种“体裁复调”;“微复调织体”更多的是一种“色彩复调”,无论就主题材料还是整体规模而言,它更多的是作为一部作品的横向发展过程之中的一个组成部分,它自身很少可能形成一个独立完备的整体结构;而“宏复调织体”则更多地是一种“理论”上的、“隐性”的、但也更侧重于整体音乐材料组织法以及整体结构完型的“功能复调”。相对来说,三者在“复调”的音响声效方面是依次减弱的,而对作品整体的结构功能的形成方面则是依次增强的。

论里盖蒂音乐创作中的音高组合特征——以《钢琴练习曲》为例的音高技术研究

作为20世纪一个重要的作曲家,里盖蒂的微复调技术及其丰富的音色音响特征为许多理论家和作曲家们大量关注,相反却忽略了他的作品,尤其是20世纪末期作品在音高组织的观念和技术所进行的一些思考。本文拟将对这些方面进行讨论,同时也将在讨论中涉及到传统和声与现代和声二者之间的关系等方面的问题。

20世纪音乐的和声技法·序论

本书试图对1900年以来涉及到和声技法方面的不同倾向进行论述。19世纪末作曲法的历史清楚地表明：过于膨胀的和声思维抑制了对旋律和节奏的思考，从而使它在世纪转折点前后变成了作曲法中起决定性作用的本质要素。但是，这种无所不包的和声思维看起来却像是一个旋涡，它自身中就潜藏着与调性的极限相碰撞、甚至跨越这个极限的趋势。人们越来越相信，要用旋律、节奏以及音色的力量去摆脱过于膨胀的和声的束缚，为创作的可能性赢得空间，实际上，这种原先被看作是破坏性的行为，后来却变成了成功的尝试。众所周知，这是通过不同的方式实现的。

音乐分析学科的建设与理论创新——试析彭志敏《新音乐作品分析教程》

对20世纪多元并存形态丰富技法各异的现代新音乐作品进行全面系统客观的分析研究,是音乐分析学科的历史使命。本文通过对《新音乐作品分析教程》写作构想、内容体例、研究方法,以及在音乐分析学科建设与理论创新方面的作用意义所进行的概括论述,反映了我国音乐分析学科近年来不断拓展学科领域、加强与创作和教学实践结合、涌现出许多优秀研究成果的良好发展态势。

情歌与木鼓舞

在广西与贵州交界处生活着质朴的苗族人民,他们会在男女求爱时于高山上对唱情歌,又会在出嫁与祭祀时跳起木鼓舞。作品中,笔者尝试发挥音乐的“叙事”功能,讲述一场“爱而不得”的恋情。这些叙事的情境被笔者转化为了数个带有主题性质的象征符号,并用蒙太奇似的视角转换将之拼贴在一起,其中包括了苗族情歌、木鼓舞、客家童谣《月光光》等体现岭南风格的音乐材料。

《宁波组曲》城市文化的现代性历史声音文本解读

《宁波组曲》是贾国平创作的四乐章交响乐组曲。城市历史发展与组曲各乐章结构形成“同步性”陈述,将宁波纷繁复杂的历史文化创造性地转化为音乐文本。同时,贾国平将地方民间舞蹈节奏赋予新的力量,综合运用多种力度对位、节奏对位凝练出城市文化的代表性特征,完成了超越历史的现代性再现。音响空间的虚实映照以及“点—线—面”的互相融合,将城市空间的“视觉”属性与音响空间的“听觉”属性有机融合。作品在宁波的历史记忆和当代文化的调和中,用音响构造出中国城市特有的“现代性”,同时也表露出具有中国性与中国精神品质的音乐作品中共性的创作驱动,即如何将传统翻转为现代叙事。

从圭多唱名法形成与发展探其之于视唱练耳的教学意义

在视唱练耳的教学实践中,唱名法是用于唱、念、听、记音乐时必不可少的手段。本文以圭多唱名法的形成与发展为脉络,试图对圭多唱名法在不同发展阶段的重要理论及理论革新加以阐述,发掘这一体系在音乐实践影响下不断成长、适应,时至今日仍然经久不衰的真正内核。同时结合视唱练耳的发展现状,对这一体系之于当今视唱练耳教学意义进行思考,以期为视唱练耳的发展提供新思路。

管弦乐Qing-Diao(《清调》)研究——贾国平音乐创作的观念、技术与文化

20世纪90年代,十二音创作技术与序列思维依然对中国作曲家的创作产生着影响。他们在借用这种思维与技巧进行创作的同时,亦采用了各种方式来阐释民族文化。贾国平的管弦乐Qing-Diao(《清调》)便是这样一部作品。其中,无论是从作品“标签化”的标题、对传统音乐素材的处理、作品中单声思维的观念,还是整体音乐语言的组织与陈述方式,无不显示出作曲家在传承中国民族文化过程中观念的形成与技术的创新。

从“DIARY-I”看陈晓勇钢琴音乐创作新思维

文章以旅德作曲家陈晓勇的钢琴小品“DIARY I”为研究对象 ,以作者所提出的“充分发掘音响 ,使音响具有更强的纵深感”的观念为出发点 ,通过综合考察作品中的音高、节奏和结构等主要音乐要素及其它们各自的主要组织和运动方式 。