“大美之艺·厚德之行”--2020天津美术学院教师作品双年展·美术学类研讨会发言摘编

经过近三年的筹备,2020年11月20日,“大美之艺·厚德之行--2020天津美术学院教师作品双年展”终于与大家见面。天津美术学院教师作品双年展分美术学与设计学两大学科类别隔年交替进行展示,此次的展览为美术学类,展出了天美美术学类173位教师共330余件作品,检阅和展示了教师近年来教学、科研、艺术创作成果。展览研讨也于同日举行。展览和研讨互为补充,为天美的未来发展明晰了方向。

天津美术学院文物保护与修复专业和实验室建设

在当今时代,随着我国经济的发展和传统文化的复兴,文物保护与修复专业也逐渐被更为重视起来。在专业学科的建设中,实验室的建设也是重要的一部分。天津美术学院文物保护与修复实验室于2022年正式成立,并归属于学校国家级美术学实验中心,在打破原有的实验室教学模式的基础上发展为艺术类院校的更为多元化、多样化的实验室平台,提升实验室教学水平,已是现阶段对艺术类院校实验室平台的更高要求。基于对艺术人才培养教学理念的多年探讨,学校提出了艺术实验教学的基本理念:“以学生为本,融知识传授、能力培养、素质教育于一体,以理论教学和实践教学为课程建设的两翼,重视实验教学,重视实验教学平台和管理机制的建设,注重培养学生的探索精神、创新能力和实践能力;同时强调形象思维、创造性思维和造型能力的培养。”本文便是基于这一基本理念对文物保护与修复实验室建设的一些思考。

高居翰心中的“诗意画”与当下中国画教学认知——评《诗之旅:中国与日本的诗意绘画》

人们谈到传统绘画,总会自然想到绘画的"诗意"表达。传统绘画已被解读千年,诗意有时是作品自有的,有时是观者体悟的,也有后人强加的。我们不禁要问:真正可以被称为"诗意画"的中国绘画到底有多少,这种诗意画是阶段性的还是一以贯之的?笔者曾阅读了美国艺术史学家高居翰的《诗之旅:中国与日本的诗意绘画》一书,通读下来可以看到作者高居翰个人艺术审美视角下的"诗意画"以及他对中国画(院体画和文人画)研究的得与失,也使笔者对"诗意画""文人画"有了更加深入的认知。

中国画中的“线韵”美学刍议--以吴昌硕、黄宾虹、齐白石为例

自古以来,中国画中的“线条”受到众多艺术家的关注,“气韵”又是中国画品评中的首位,那么,线中的“韵”又是如何体现的呢?基于此点,这一问题具有研究的现实意义。本文在阐述“线”与“韵”“书画同源”等含义的基础之上,从中国哲学的“阴阳观”出发,运用图像分析法、比较分析法,着重分析了晚清近代三位艺术家——吴昌硕、黄宾虹、齐白石的书法、篆刻以及绘画特点,以探讨“线韵”的真正内涵所在。

谈中国画教学现状

之于中国画教学，近人二十世纪就山水与花鸟画教学而言，虽然也倡导为工农兵服务，为人民服务，且由于画种的限置在教学手段上依旧对接着传统的方式，先临摹后写生再创作的过程。

中国画欣赏在中小学生自然观培养中的作用

中国的传统绘画博大精深,它不仅体现了中华民族的审美精神,还体现了古人在艺术领域对大自然的关照。在中国的传统绘画中蕴含了人与自然和谐统一的观念。通过中国传统绘画的欣赏,有助于中小学生形成正确的自然观,树立尊重自然、敬畏自然、向自然学习的谦卑态度,同时提高学生的审美能力,感受到大自然的生态之美。

“学院工笔 • 当代工笔画教学论坛”实录

周午生(天津美术学院中国画学院副院长):尊敬的贾广健院长,尊敬的陈孟昕先生,各位老师、各位朋友大家下午好!感谢大家在百忙之中参加上午的画展和下午的论坛。首先我代表天津美术学院中国画学院对各位嘉宾的到来表示热烈的欢迎和诚挚的感谢。我们很荣幸承办这次展览和论坛,这对于我们是一次极为珍贵的学习机会,在此,我对来自全国各地的艺术家和理论家参加这次活动再次表示感谢。首先请天津美术学院贾广健院长致辞。

画院画师:要当好自己的角色,唱好自己的“戏”——天津画院院长贾广健答主持人问

主持人：中国的画院是世界美术体系结构中的特例。这样的状态对于全球美术界具有何等意义？中国的画院对于中国乃至世界美术作出了何种贡献？如果没有中国的画院体制,中国美术和世界美术将会失去什么？

接续传统 直面未来--从敦煌石窟艺术现状看与中国绘画材料与技法研究相关联的几个问题

色彩的中国绘画源远流长。在长沙马王堆出土的两件“T”形帛画,画面呈现出较为成熟的重彩绘画的表现形式,画中使用矿物质颜料,很大程度上保持了原有的风貌。绘画艺术历经两汉至魏晋南北朝时期,随着佛教的传入,多元文化的剧烈碰撞、融合,文化艺术呈现出较为开放的局面。重彩绘画大量存在于不同时期的墓室之内以及丝绸之路沿线地区的石窟之内,其中以位于新疆境内的石窟群落和甘肃敦煌地区最为著名,尤其是敦煌莫高窟,汇聚了从公元4世纪到14世纪历经千年的绘画艺术珍品,成为这一历史时期没有间断的古代绘画博物馆。

文化基因视域下山东年画的海外收藏与影响力研究

山东年画自清代晚期向海外传播,这一方面是由于国外汉学家的系统收集,一方面源自山东知名年画店的跨区域经营。此外,作为年俗主要图像载体的山东年画(主要出自高密、潍坊)在文化与艺术双重层面影响了朝鲜半岛民俗版画的生成与发展。分析流传海外的山东年画的内容、图示、传播路径与存在样态,有助于提取山东传统年画的核心基因,更好地阐释民间艺术的精髓。与此同时,随着近年非物质文化遗产保护热潮在全球的兴起,探索海外对山东年画的持续收藏、展示与研究的因由及效果,有助于提升中国传统民间艺术的对外传播力,使以山东多地年画为代表的国家级“非遗”在充满活力的传承中不断发扬光大。

“三远法”在山水画创作中的应用研究

“三远法”由郭熙在《林泉高致》中提出,不仅体现了画家对传统山水构图智慧的深刻省思,还是对其边界的创造性拓宽。此法犹如一扇窗,引领观者超越物质世界的束缚,步入一个浩瀚无垠、诗意盎然的审美宇宙,尽显中国山水画独有的深邃与高远。其诞生,不但稳固了中国传统山水画的文化根基,还以独特的灵活性和深邃性,对现代山水画的创作理念与技法实践产生了深远的学术影响,促进了审美观念与艺术思维的双重飞跃,激励着后世画家不断追寻与拓展山水画艺术的无限可能。

度物象而取其真——论“真”的内涵与山水画创作

目的:文章旨在分析荆浩在中国古代山水画中的地位与影响,特别是其作品《笔法记》以及“度物象而取其真”中“真”的理念对后世山水画创作的指导意义。方法:为了深入研究山水画中“真”的含义,荆浩通过个人实践及对《笔法记》等古典文学和绘画理论的探讨,来阐释其中蕴含的审美标准和创作理念。这一方法着重于去除伪饰,发掘事物的本色和本质,在画面上追求形神兼备,展现物象内在的气质与精神。此外,借鉴书籍以及网络文献中对“真”的理解,荆浩将自然之道与物之本质融入绘画创作中,提倡情感充实饱满,并通过毛笔表现出人与宇宙精神交融后的淳朴和天真。结果:荆浩的山水画作品及其理论对后世产生了巨大的影响。他的作品如《笔法记》等,成为后世山水画发展的重要参考,其“真”的理念被广泛接受并应用于绘画实践中。荆浩所倡导的“真”在山水画创作中的关键作用,不仅提高了山水画的审美价值,也深刻影响了中国画的创作理念。结论:荆浩通过对“真”的深入研究和实践应用,在山水画领域取得了显著成就,并为后世画家树立了典范。他的作品和理论不仅丰富了山水画的内涵和表现形式,也推动了中国画艺术持续发展。荆浩对“真”的追求和阐释,对于提升绘画的审美标准和创作理念具有重要的指导意义。

“六要论”的内涵与山水画创作——论五代荆浩《笔法记》

目的:在《笔法记》中,荆浩提出备受瞩目的“图真说”,这一理论的核心正是他提出的“六要”原则。文章聚焦荆浩的山水画理论——“六要论”,深入探讨其内涵与对山水画创作的影响。方法:文章深入剖析《笔法记》中的“六要论”,对其核心思想进行全面细致的解读。在结合个人阅读体验的基础上,文章系统梳理其中关于山水画理论的主要观点,发现其具有深厚的艺术内涵和独特的审美价值。重视笔势的流畅与变化、主张笔墨技巧的精湛与独特、追求真实表达的理念,已经深深烙印在中国历代画者的实践中,对后世的艺术创作产生了极为深远的影响。结果:《笔法记》一书精准提炼了荆浩的创作精髓,深入全面地探讨了中国山水画创作的一系列核心理论问题,为后世山水画的发展及理论研究提供了思想基础。结论:荆浩长期隐居洪谷山,以自然为灵感之源,他通过深入观察和深思熟虑,总结出北方山水画的独特创作方法,并将其巧妙融入自己的画作之中。

境生象外——浅谈中国画线描在创作中的写意性

线描作为中国画的基本手法之一,最早可追溯到人类文明早期,在其他载体上也有体现,如壁画、瓶画、岩画等。线描在中国画中特指拿线条勾勒物象造型的手法,人物、花鸟、山水画中均有涉及,常用于中国画入门学习中的一种手法。单纯的线条最能体现画家的能力,在明清时期更是被总结出了高古游丝描、铁线描、钉头鼠尾描、行云流水描等十八种描法。

延安时期木刻版画的民间审美转向

抗日战争时期,上海左翼木刻家在延安参与"延安鲁迅艺术学院"的建设,并响应"文艺大众化"的号召,将民间的审美趣味引入自己的作品。在特殊的历史时期,精英艺术与民间艺术有了充分渗透、交融和转化的机会,这一现象改变了20世纪20年代以来中国艺术家对西方艺术风格的模仿和崇拜理念,发展出独具本民族特色的新的木刻版画风格。社会形势的改变、艺术家思想的变化等多种原因促成了左翼木刻家风格的形成。最值得关注的是延安时期木刻版画"文艺大众化"的核心思想及艺术家的生活实践,对当下木刻版画的创作仍有可借鉴的价值。

试论董其昌早期绘画的“不和谐”感

本文通过董其昌的早期作品《葑泾访古图》《荆溪招隐图》对其早期山水画中的笔法意趣、形式构图方面的"不和谐"感进行了分析和论述,阐明了其取法传为王维所作的《江山雪霁图》的缘由。

传统绘画蜕变的关捩及传承教学见解——评《隔江山色:元代绘画(1279-1368)》

高居翰是美国著名艺术史学家,在中国明末清初绘画研究领域学术成就斐然。除了研究明末清初的绘画,高居翰对元代绘画也有着一定的研究,下面简单谈谈个人的一些读书浅见。2009年生活·读书·新知三联书店陆续出版了高居翰的五本著作,第一本便是《隔江山色:元代绘画(1279-1368)》,二十多万字的著作配以大量清晰图片,充分传达出作者想要论述和表达的方方面面,也印证了"视觉图像"和"风格分析"是高居翰先生研究中国绘画史的最大特色。

花鸟友于——当代青年水墨画家提名展·“70后”花鸟篇研讨会摘要

近期,由中国书画杂志社主办、港澳传媒华语国际台和北京天心堂传播有限公司协办的"花鸟友于—当代青年水墨画家提名展·‘70后’花鸟篇"在《中国书画》美术馆开幕并举行了学术研讨会。此次展览也是《中国书画》杂志创刊15周年的系列展览之一,展览共展出了15位"70后"花鸟画家的作品六十余幅。他们是当下传统花鸟画坛中青年画家的杰出代表,多来自南北学院画院,为师为艺各有心得,绘画创作各有风貌。研讨会上,各位专家学者围绕着中国花鸟画乃至中国画的评价体系及学术表达规范的构建、时代性和继承传统的深度、当代花鸟画普遍存在的问题、当代花鸟画的去向等问题展开了热烈的讨论。