工业时代的原始精神

一戴布娜·巴特菲尔德（DEBORAR BUTTERFIELD）1949年生于美国加州的圣地亚哥,她是为数不多的在战后出生并获得全国乃至世界性的女雕塑家。他的作品广泛地被美国博物馆和一些艺术机构收藏,其中包括纽约大都会艺术博物馆、芝加哥现代艺术博物馆、洛杉机现代艺术博物馆和纽约惠特尼美国艺术博物馆等。 如果说戴布娜的作品有一个母题的话,那就是马。她的这一创作母题的选择可以说既有历史的渊缘,也是现实的烙印。在西方文化传统中,马常常被看作是具有神性的动物。著名作家恩斯特·琼斯曾经这样说过:在从古到今的人类想象中,马总是广泛地与超自然的观念相联系,在许多神话与传说中,那些善的与恶的精灵常常以马的模样出现。当然,马的重要性不仅仅体现在人类的主观想象中。在人类征服自然的活动中,它发挥了不可替代的作用。可以毫不夸张地说,人类是在马背上才第一次真正获得征服者的经验并产生了一种新的世界观。戴布娜的有些作品在意义上的确向我们传达了这种历史的信息,而她作品中的现实烙印则来自这样的背景;人类发展到了今天,庞大而又复杂的现代工业文明已经全方位的包围了我们,甚至我们观念和想象都披上了“技术的面纱”。在这样一种情境中,那些长期作为人类亲密伙伴并具有神性的动物的处境如何?

张友宪的艺术追求

熟知画家张友宪的人都为他的勤奋感动。他的毅力和耐心不仅磨炼着自己,同时也激励着他的许多同行和学生。不管是酷暑还是寒冬,他都坚持每日作画不息。

欧洲中世纪美术史书目提要

欧洲中世纪的艺术对我们来说是一门极其陌生的课题。甚至许多西方人也和我们一样,对之知之甚少。原因是多方面的。中世纪前后相沿约一千年,在这段时间里,朝代的更替,民族的迁徒,宗教的纷争;领主间的战争以及对异教的极端仇视等等诸多社会因素使这段历史变得复杂起来,很大程度上增加我们对它了解和研究的困难;另外,十五世纪文艺复兴时期的人文主义对中世纪的艺术十分蔑视,这种态度有着强大的惯性,它一直延续到本世纪初。所以,西方对中世纪艺术的真正研究是在本世纪六十年代开始的。这篇书目是我在前些年撰写毕业论文《欧洲中世纪艺术风格的社会成因》的同时根据吉尔德·穆耶萨姆(GerdMuehsam)主编的《视觉艺术基础信息资料指南》(Guide Basic Information So-urces in the Visual Arts)编译的。我以为文章所介绍的许多精彩的著作就目前而言还很难为我们所用:中译本是不会有的,即便是原文版本在我们的图书馆里也是很难找见的。但有一点它对我们是大有裨益的,至少使我们对西方学者们对中世纪艺术研究的动态和成果有了一个大致的了解。当我们在一片陌生的土地上旅行时,都希望手头上有一份有关的地图册以便对这里的地形地貌有一个大致的了解,从而选择一条比较合理的途径去到达目的地。艺术史的研究也是这样,我们必须站在前人的肩膀上,犹其是在我们闯入一个在时间和地理上都与我们相去甚远的异族创造的艺术天地的情况下。当然在这里了解和学习是第一位的,然后才谈得上研究。事实上,我们对欧洲中世纪的艺术的学习和研究还停留在最最初始阶段。与其他任何一个艺术史上的断代相比,它还是一件埋在土里的文物。当然,我们有权力根据自己的兴趣和某种需要选择一个断代大作文章,但我们却没有权利因为兴趣和需要去容忍自己对某段历史的忽视和遗忘。这样历史就不是完整的了。历史的进程总是相互衔接,我们的确很难在"传大的文艺复兴"和"黑暗的中世纪"这两个时代之间找到一条明显的分界线。还有对中世纪艺术的研究总是很难使我们将之与"现实意义"发生联系。但我认为并不是没有所谓"现实意义"的研究就是没有意义的。我们有许多学科的研究科学的也好,人文的也好并不是出於某种现实的目的,而是学术本身的需要。

欧洲文艺复兴美术研究书目综述

“文艺复兴”作为在漫长的中世纪之后艺术与古典文化“再生”的观念最初是由意大利的人文主义者,著名的《画家,雕塑家和建筑师传记》(Lives ofthe Painters,Sculptors,and Architects,1550和1568)一书的作者G·瓦萨里提出的。虽然瑞士的历史学家雅克布·布克哈特在他的《意大利文艺复兴时期的文明》(The Civilization of the Renaissance inItaly)中认为这一说法过于的狭窄,但它毕竟已成为普遍接受的概念。布克哈特这本开拓性的巨著,初版于1860年,后又多次再版,一直是对那个伟大时代最经典的阐述。它对城邦、个人、社会、古典的复兴及新世界的发现等伟大的主题作了探究,但却没有论述到视觉艺术。我们这个时代的学者们对有关文艺复兴的各种传统观念作了重审和修正。由Karl H.Dannenfeldt选编的题为《文艺复兴:基本的解释》(The Renaissance:Basic Interpretations,1924年第二版)的论文集是一本收集了诸种就文艺复兴问题的“几个最重要方面”持相反观点的具有代表性的著作。书中最后那篇由著名的文艺复兴研究专家Wallace K.Ferguson撰写的总结性的文章——《文艺复兴的再解释》尤有价值。

作为现代艺术基础的象征主义艺术

对现代艺术的目的、作用、喻义和意义,为什么会存在如此激烈的争论?我们把这种争论看作是对后象征主义(post—symbolist)艺术家的作品无规范倾向的关心,而且我们同样把说以后象征主义艺术家的观念是如何对这种倾向产生影响的,看作是自己的一项任务.艺术批评与对艺术作品的释义是对应的.对这个问题的集中探讨起始于十九世纪的为艺术而艺术的运动以及戈蒂埃(Gautier)和左拉(Zola)所撰写的一些文章.不管是有意还是无意,他们把有关艺术的讨论引向了对形式问题的关心以及纯美学的范畴.(我这里所说的“形式”部分地是指线条,色彩、空间、笔触、光等因素的运用.)

主观性与客观性——对艺术史的一种新解释

在对艺术与认识心理学之间关系的价值作有益的讨论之前,将皮亚吉著作中与我们所探讨的问题有关的部分作一些解释是有所裨益的。这样我们就得暂时离开原先划定的路线。但实质上我们绝非去讨论一个题外之题,因为我们要作的解释是试图为说明我的观点提供一些必要的依据。

作为心理治疗术的艺术

心理治疗专家运用的有效方法最先不是源出于艺术本身,而是起始于病患者以及在困境中的人们的需要。任何一种能成功治愈创伤的手段都会受到欢迎:药物治疗法,人体的运动与修复,诊所里的倾心交谈以及催眠术——为什么艺术不是一种有效的治疗手段呢?有着实际经验的艺术工作者在人们的犹豫和怀疑之中进入了这个领域。

艺术发展的三个阶段

认识结构是智力的组织特征,它们是指那些我们用来在大脑中建构和再现世界的内在化的图式或图表。我们对世界所有的经验都是由这些图式来传递的。它们规定我们怎样去真实地感知事物,也就是说我们所有的知识以及对世界的描述都依赖于这些图式。事实上,我们对外部世界的特定感知正是由于具备了有这种组织能力的大脑才成为可能。

拷贝文化与“郢书燕说”效应

关于印刷品之功过,在美术界向来见仁见智,众说纷纭。随着信息技术的发展,交往渠道的疏通,国内美术界的资源空前猛增,画册、幻灯、录象、电影源源不断。资料一多,问题也就多了起来,孰功孰过,莫衷一是。加之出国考察亦成常事。

从静到动的图像

绘画不是一般知觉的简单外延,它波及到被观察物经过大脑的再构造和比较。再现有体积感的物质,或一组处于不同距离和高度的物质的能力,避免它们不合比例或变形地出现,是一个复杂的认知进步。我们还不能用一个常常相似的心理学或逻辑学的机制来对所有的集体再现作出解释。比如说,透视法就假设了各种变换关系和一个“相互联系”的操作系统;它是一种把各种关系与一个视点发生联系的能力,这在希腊的艺术中是找不到的。尽管他们对雕塑造型作出了令人崇敬地征服,也出现了由一些雅典画家绘制的具有远近的绘画,希腊人基本上没有能把物质相互联系起来地再现。正如一位作家在评述希腊艺术时写道: 我们还没有资料来表明希腊人曾坐下来去画一幅风景,一群人物或一组物品,如桌子和椅子等等,让它们以各自的形状、尺寸和比例相互联系地出现,就象从一个视点看上去的那样。