英国1960年代和艺术回顾：曾经是未来

1960年代的伦敦是英国文化爆炸性发展的年代，当年发生的种种现象和艺术的表现手法，至今仍影响着许许多多的创作者和社会风气的潮流。今年伦敦的夏天再度抓起1960年代的风潮，配合BBC电台的“夏日60年代季节”（Summer in the sixties season），伦敦泰德画廊大英美术馆（Tate Britain）自6月30日起，举办以1960年代影响英国的主要艺术代表作品和艺术家为主题的展览，BBC电台也特地访问了活跃于1960年代的艺术家，收藏家和画廊主持者，此展随后还将在伯明翰展出。

回顾Vivienne Westwood三十年

与庞克族最爱的设计师-Vivienne Westwood紧密联系的是：曾经风行于1970年代的矮子乐鞋、设计中夸张的剪裁，别人还不敢用的材持，率性又真实的打扮，让庞克的历史走上高峰。借由庆祝Westwood创立三十年，庞克的大胆和新奇让今年暑假的伦敦很庞克也很摇滚。其中包括一百五十多场的作品发布会以及维多利亚和艾伯特博物馆(Victoria and Albert Museum）大量的收集和珍藏展示，多数的作品和文献由她个人提供。

英国伦敦国家画廊交流艺术家——让·穆尼克

让·穆尼克(Ron Mueck)1958年出生于澳大利亚，现居住在伦敦,他是第五位英国伦敦国家画廊的交流艺术家。国家画廊邀请交流的艺术家，往往在作品上和该馆中的收藏有呼应或有直接的影响,这段时间则会提供画室让艺术家创作。

当代艺术谁当家？收藏家还是艺术家？

往往我们在质疑当代艺术的存在价值时．一连串的问题随之而来：艺术是什么？谁才是艺术家？或者是，这样的“作品”为什么可以展出？作品展出的成因．不外乎让艺术家们借此发表自己的创作．或是展出美术单位的收藏和策展规划．不容忽视的私人力量近年来也展现了它的影响力。在现今媒体日益更新的情况下．接收的速度已不在话下．传播之宽广以求达到人人皆知为目地。当代艺术中的时效性正符合了时尚文化。但．是谁在操控当代艺术？是创作者还是拥有者？媒体充斥下的现象仿佛艺术家比作品还伟大．真的是艺术家说了就算数吗？富可敌国已不是当今才有．自古以来不论东西文化．皇宫贵族聚集食客已有历史．

动态图像中的艺术和影片

巴黎的蓬皮杜艺术中心,今年特别策划了一个回顾20世纪艺术形式和影片中的动态图像，借此探讨影片图像艺术的演进过程，此展将跨年展出到明年1月底结束。它的内容并非依照时间顺序来做历史性的回顾，而是以主题划分，重新在过击没有涉及到作品所存在的价值影响下再定义，也试图针对受历史影响后的作品做探讨。

化腐朽为创作，让绘画不只是客体——克里斯·奥菲利

说起英国当代艺术．即使最不熟悉或者对之也不感兴趣的人，也不会不知道达明·赫斯特（Damien Hirst）将一块块牛体分割且独立出来．把艺术和科学一线间处理得更加微妙：也不会不知道崔西·艾敏那张再生活不过的“床”把当代艺术推到极端，看得人心惶惶．其中当然也少不了惹来不少话题。克里斯·奥菲利（Chris Ofili）的画作也一样让人感到意外，用大象的排泄物进行创作。

临摹?!原创?!伪装?!看葛兰·布朗的当代绘画

今日在数字化的采用和推广下,所达到的功能远超过传统摄影的效果,绘画的存在价值再次被质疑.早在20世纪60年代即有的口号,宣布绘画已经死亡,之后达达艺术的崛起,直到观念艺术再被大量使用的今天,绘画的定义究竟为何?还存在吗?又是如何存在?

点燃生命燃烧作品——看马克·奎恩的当代雕塑

提起马克·奎恩（Marc Quinn）的名字，马上令人联想到他那再“自我”不过的作品。他花了五个月的时间，收集了4.5公升容量的血液，灌入以自己头部成形的模型中，再加以冷冻凝结。这个充满血腥的头部展示在一个透明的玻璃柜中，而且必须长期处于低温下。作品《自我》（1991）随即被沙奇画廊（Saatchi Gallery）收藏，接着而来的争议同时也在无形中成为另一种风格形式的表现。

英国当代艺术的风潮与演进

熟悉英国当代艺术发展的人，都听说过泰纳奖，那是一年一度英国当代艺术的注目焦点，即是焦点，也就不免有来自各路不同的批评和意见，追溯到泰纳奖名称的由来，便会联想到19世纪的英国画家——泰纳，为何当代艺术的大奖却以一位19世纪的画家命名呢？当初决定使用泰纳为大奖名称，除了对大师奉上崇高的敬意，同时也希望能够完成泰纳的心愿，提拨年轻的艺术家们。

我是主题、我是发想、我是模特儿、我是艺术家——看崔西·艾敏的自我创作

英国的民众即使对当代艺术不关心，只要提起崔西·艾敏的作品《床》，也是无人不晓，然后便开始热络地讨论起来，内容可能多半不在于作品本身的意义和价值，而是在于一连串的疑问：这也算是艺术吗？为什么她做的算，别人就不算？到底什么是艺术家？

品味大师——乔治·阿玛尼伦敦回顾展

近年来时尚设计风潮席卷国际美术馆，打破以往设计和美术之间看不到的透明隔层，时尚设计师进军美术馆，不仅带动时尚流行风潮趋势，同时也附加了经济上的效益。例如1997年在伦敦维多利亚和艾伯特博物馆展出的“The Cutting Edge”以时尚为背景，边缘设计为主题的展出，参观人潮超过23万，参观人数是一般成功展览的两倍。

只要我喜欢，有什么不可以——沙奇美术馆泰晤士河新馆开幕

伦敦沙奇美术馆(Saatchi Gallery)新馆终于在今年4月17日正式开幕，原位于伦敦北部的Boundary Road的旧馆自2001年10月关闭为迁馆做准备。新馆位于泰晤士河南岸，使用的建筑是建立于1922年完成的市政厅，这是一个出乎大家意料的空间。

第五届台北双年展

第五届台北双年展于11月4日起登场。本届策展的方向以“限制级瑜珈”（Dirty Yoga）为主题,希望借具有历史渊源的概念，从现代流行思潮中探讨其全球化下所产生的风潮和特征，试图了解在极端价值观下所引发的可能性和冲突性。

抄袭？！创作？！伪装？！——看Glenn Brown的当代绘画

今日数字化技术的广泛应用和推广，它所达到的功能远超过传统摄影的效果，绘画的存在价值再次地被质疑。早在1960年代即有绘画已经死亡的说法，之后达达艺术的崛起，直到观念艺术再被大量使用的今天，绘画的定义究竟是什么?它还存在吗?又是以何种方式存在?

重回真实：继克莱茵之后的色彩，再看60和70年代艺术

“透过对颜色的经验让我感受到一种与空间完全的结合，我是完全的自由……对于那些无法体会如此感觉的人，完全的自由是危险的。”