故土、传媒与革新——拉赫玛尼诺夫的三重音乐天地

毋庸置疑,俄罗斯作曲家拉赫玛尼诺夫是20世纪严肃音乐领域作品最受欢迎的作曲家之一。他在艺术及学术领域所引发的争论与他创作受欢迎的程度形成了鲜明的对比。俄罗斯、西欧和美国,是作为拉赫玛尼诺夫最为重要的三个艺术栖身地。俄罗斯的文化根基、美国的唱片及电影市场,以及欧洲对于音符革命的思想冲击,共同作用下形成了拉赫玛尼诺夫的音乐世界。文章通过比较拉氏与斯克里亚宾、斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫这三位俄罗斯同胞的音乐风格,探究拉氏音乐特质及他在历史中的地位、评价等话题,进而观察20世纪以来西方的政治社会生态。

拉赫玛尼诺夫《d小调第三钢琴协奏曲》的思想意义

谢尔盖·拉赫玛尼诺夫的《d小调第三钢琴协奏曲》是一部经典的20世纪音乐文献。该文以“文艺学式”的评论手法,对这部杰作的意义做特定思想语境的阐发,在理解音乐作品的内涵同时,对其所产生的“长时段环境”、其风格和体裁要素的复杂关联性进行论述,继而对拉赫玛尼诺夫所代表的20世纪俄罗斯音乐家与西方现代音乐的关系,进行再思考。

拉赫玛尼诺夫的“接受史”透视

拉赫玛尼诺夫作为20世纪音乐中的一名“保守派”作曲家,长期以来虽然在演出市场和普通听众中享有盛誉,但在专业音乐圈和学术-批评界却时常遭到贬斥。文章对拉赫玛尼诺夫的接受史状况分四个方面(演出市场与大众接受、学术-批评界的态度、苏联的情况、中国和当前世界的状况)做出概括性梳理和透视性解读,进而思考了拉赫玛尼诺夫接受史所引发的音乐史学方法论启示和相关创作美学问题。

拉赫玛尼诺夫音乐中的“钟声意象”——谨以此文纪念拉赫玛尼诺夫诞辰150周年

相比19世纪许多俄罗斯作曲家,谢尔盖·拉赫玛尼诺夫对钟声入乐的迷恋更为强烈,这源于作曲家幼年和少年时期作为“钟乐权威鉴赏家”的祖母的引领和对教堂钟声深刻的赏听体验以及对祖国深沉的爱恋。拉赫玛尼诺夫音乐中的“钟声意象”已经被俄罗斯学者广泛关注并认知。文章主旨不在于对其音乐中的“钟声意象”进行全面深入的技术分析,旨在以管窥豹,提示诠释者和研究者能在教学、演出实践和学术活动中关注拉赫玛尼诺夫音乐中显性或者隐匿在谱面下的这一重大的意象特征。

俄罗斯白银时代音乐中的现代性诉求——拉赫玛尼诺夫与斯克里亚宾的音乐风格比较

白银时代的俄罗斯音乐在社会动荡、文化变迁、政治变革的特殊背景下,从浪漫主义逐渐转向现代主义,出现了俄罗斯音乐历史上具有世界影响力的伟大作曲家:拉赫玛尼诺夫与斯克里亚宾。面对白银时代音乐文化生活中全方位的现代性焦虑,两位作曲家积极尝试用音乐解决民族二元性问题,从不同方向探索了克服音乐创作主要矛盾的思想理路。通过比较研究拉赫玛尼诺夫与斯克里亚宾音乐风格的心理向度、表现意涵与审美品质等方面的异同,白银时代俄罗斯主流音乐创作中的现代性诉求得到了进一步验证,同时,这两种现代性音乐风格也深刻诠释了俄罗斯白银时代的焦虑、矛盾与统一。

用声音表达时代——斯克里亚宾和拉赫玛尼诺夫的音乐风格探究

19世纪末20世纪初的俄罗斯处于欧洲革命运动的中心,时代变迁的动荡在20世纪初期表现得尤为明显。在历史的转型阶段,俄罗斯的政治、经济和文化都发生了巨变,各种进步新潮的哲学思想涌入人们视野,从而使这个时期与文化艺术相关的领域都受到了深远的影响,世纪之交的俄罗斯音乐风格也在不断变化和发展。亚历山大·尼古拉耶维奇·斯克里亚宾和谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫作为该时期最具代表性的两位作曲家,对20世纪以后的俄罗斯音乐发展起到了重要作用。本文通过分析斯克里亚宾与拉赫玛尼诺夫的音乐创作与表演风格美学,探索该时期音乐风格的多样化与多种音乐语言表达。

坚守与回望:拉赫玛尼诺夫《交响舞曲》意蕴解读

1917年之后,俄罗斯作曲家拉赫玛尼诺夫旅居海外,其音乐创作明显减少,仅完成六部主要作品,其中的《交响舞曲》是他的“天鹅之歌”。在这部作品中,拉氏呈现出极具辨识度的抒情旋律,还引用自己多部旧作的音乐主题,充分展现了他典型的作曲风格。作品通过“末日经”和《彻夜祈祷》主题的运用,强调了宗教因素在其创作中的核心地位,也深化了这部作品的情感内涵。

音乐表演专业“音乐分析”教学二例

文章是作者根据"第三届全国音乐分析学学术研讨会"上的主题发言整理而成。基于作者为"音乐表演"专业开设的两门有关"音乐分析"的课程,通过两个课例,强调音乐分析应服务音乐表演、应真正成为作家作品和表演者之间的纽带。

拉赫玛尼诺夫的时代与他的《音画练习曲》

拉赫玛尼诺夫集作曲家、钢琴家、指挥家于一身,他的音乐作为一种具有巨大艺术意义的现象,走进俄罗斯音乐的历史。他的名字至今仍与俄罗斯艺术及时代紧密地联系在一起。其创作成熟期的两册《音画练习曲》(OP33和OP 39)展示了其以丰富的生活联想、辉煌的技巧与高超的表现力相结合,这些作品具有强大的生命力,极高的美学价值,形成自己的风格,至今仍以优美和真诚感动着人们。

拉赫玛尼诺夫艺术歌曲中的钢琴定位

拉赫玛尼诺夫艺术歌曲中的钢琴在其整体构成中有着非常特殊的意义。钢琴的写作显示出造型、动机、复调、独立、钢琴化等特点,又具有强化补足和深层揭示两大功能,使钢琴与人声的关系更多的显示出主导性,从而使我们将其定位为“声部”。

拉赫玛尼诺夫《第二交响曲》的配器风格

拉赫玛尼诺夫的三部交响曲应是我们全面了解和认识包括俄罗斯学派在内的西方晚期浪漫主义音乐的风格特征及发展历程的重要文献。作为柴可夫斯基的继承人,拉赫玛尼诺夫始终在创作中体现着他对柴可夫斯基音乐创作观念甚至是风格上的认同,并将之发扬光大,而他的这种征象在交响曲创作中表露得最为明显。本文以拉赫玛尼诺夫第二交响曲为实例,从分析、归纳这部作品的配器风格入手,来揭示他的创作中这样一种看似拘谨、刻板,实则深沉、热情的本质,以及精湛的技法中透出的音乐思维特征。

论拉赫玛尼诺夫艺术歌曲(Op.21)的情感体验与艺术表现

文章通过对拉赫玛尼诺夫艺术歌曲(Op.21)的分析,挖掘其作品的内在情感,并以此提出演唱者在进行艺术表现时应注意的演唱技术环节。

旋律“绵延性”与演唱“抒情性”的高度融合--论拉赫玛尼诺夫《音乐会练声曲》的创作和演唱

音乐会练声曲,既包含复杂的演唱技巧,又具有高度的艺术性。与一般的艺术歌曲相比,没有歌词的音乐会练声曲更加要求诠释者充分展示作品旋律的艺术魅力。尽可能仔细地分析、研究作品的旋律结构形态,对于准确妥帖的展现作品的旋律魅力具有相当重要的意义。而对于享有盛誉的拉赫玛尼诺夫的练声曲op.34,no.14来说,这更是必不可少的前提。文章在分析拉赫玛尼诺夫《练声曲》旋律结构及器乐化陈述——发展的手法的基础上,探讨了绵延不断的主题乐思的陈述、发展与旋律演唱技巧之间的高度融合的关系,为完美的诠释该作品做理论与技术上的准备,既对演绎这首作品起到指导作用,也对深入研究音乐会练声曲起到良好的促进作用。

拉赫玛尼诺夫的音乐创作风格——以《“悲歌”三重奏》为例

拉赫玛尼诺夫是浪漫主义晚期杰出的作曲家和演奏家,他经历了20世纪初现代音乐的洗礼却依旧保持着俄罗斯民族化的创作原则。力图阐述拉赫玛尼诺夫兼具浪漫主义与俄罗斯民族风格的音乐创作特征,并通过对《悲歌三重奏》的分析,阐释其重奏作品的创作风格。

浅析拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》

拉赫玛尼诺夫是二十世纪著名的作曲家、演奏家、指挥家之一,他一生中共创作了四部协奏曲,其中《第二钢琴协奏曲》是他最主要的代表作。本文对这部协奏曲作以初步的分析。

论拉赫玛尼诺夫钢琴作品中的悲剧性

悲剧一直都是艺术家们创作的永恒主题,而拉赫玛尼诺夫作为19世纪末20世纪初俄罗斯最具有影响力的浪漫主义指挥家、作曲家和演奏家更是将悲剧性在作品发挥到了极致。动荡的社会、忧郁的民族特征、曲折的个人经历以及姊妹艺术的影响是其悲剧性产生的原因,而作品中的"钟声"形象、"死亡主题"、忧郁的旋律、动荡的节奏节拍、暗淡的和声、忧伤的调性布局、包含张力的力度等方面更是具体的表现出了悲剧性。只有透析了拉赫玛尼诺夫的悲剧性才能更真实的表现出他的悲,才能演奏出真正的拉赫玛尼诺夫。

写在浪漫主义时期尾声的辉煌之作——以拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》为例

作为浪漫主义最后一位伟大倡导者,他的作品旋律优美流畅,音乐内涵丰富。其代表作《第二钢琴协奏曲》有着阴森的背景、沉重的低音,这是作曲家当时彷徨、苦闷心情的真实写照,具有坚实的结构和巨大的感染力,本文分析了该曲各个乐章的音乐特点。

拉赫玛尼诺夫和他的艺术歌曲

拉赫玛尼诺夫的艺术歌曲线条宽广流畅,旋律优美动人,以真挚的思想感情和新颖独特的音乐表现手法将俄罗斯的艺术歌曲创作推向了新的高峰。

论拉赫玛尼诺夫《#f小调第一钢琴协奏曲》的音乐风格特征

《#f小调第一钢琴协奏曲》是拉赫玛尼诺夫(Sergei.Rachmaninov 1873-1943)修改间隔时间最长,同时也是备受冷落的一部作品。这部作品对于拉氏之后的创作风格有着重要影响,并对于全面理解其钢琴协奏曲创作有着不可忽视的意义。本文试图从多角度论证该部作品的艺术构思与特点。

论拉赫玛尼诺夫钢琴协奏曲的艺术特征

拉赫玛尼诺夫的作品涉及交响乐、室内乐、合唱曲、钢琴独奏曲、声乐浪漫曲等众多领域,其中钢琴作品最为人们所熟知。钢琴作协奏曲是他的代表作品中最为突出的一种体裁,以其钢琴协奏曲为着眼点,通过旋律、和声、结构、钢琴和乐队的处理使用等几个视角,可以窥见他创作的基本手法和艺术特征。