美术教学中花鸟画的情感与笔墨关系分析

花鸟画在中国美术中占据着非常庞大的领域,从唐代到现当代,花鸟画的代表人呈现出青出与蓝胜于蓝的趋势,花鸟画有别于其他美术类型,它着重表现事物的生动感。同一种参照物,通过笔触和挥墨特点的不同,画者手中所出的作品也不尽相同。在教学领域中,应该为学生讲解相应的作画情感和作画思路,只有彻底的通透了花鸟的本意,才能通过不同作画技法来表达出自己的独特想法。

中国画笔墨关系中的音乐性初探

无论从物质性，还是精神性两个层面来理解中国画的笔墨关系，这都是一个很值得深入探索的话题。本文从笔墨关系的物质呈现为切入点．深入探讨笔墨关系所营造的高度抽象的情境空间。这种生成意境空间所具有的抽象特质，可以感性而又生动地延展至音乐艺术的情境中：即节奏与旋律。将中国画的抽象意境与音乐特质进行互为并置，成为寻根精神思维蒙养之来源。

对近现代水墨山水画笔墨技法的认识

水墨山水画,是纯用水墨、基本不设色的山水画表现形式。自唐朝吴道子、王维创立水墨山水画的表现形式以来,出现了许多卓有成就的山水画家,形成了不同的风格特征。直至近现代,历经沧桑变化,水墨山水画保持不变的就是"讲究立意隽永,气韵生动",而决定这一关键因素的就是笔墨技法的延续和创新。近现代一些水墨山水画大师如黄宾虹、李可染等,对于传统水墨山水画运笔用墨技法进行继承和创新,取得了很大的成就,成为近现代水墨山水画发展的里程碑。

中国山水画中“笔墨”观念的演变

本文立足于历代画论及具体绘画作品,以“笔墨”观念在山水绘画历史中的演变为线索,对不同时期笔墨的作用、对待笔墨的态度、笔与墨之关系等问题进行梳理。本文提出,笔墨最早以描写“物象之真”为目的,而用笔、用墨之法逐渐兴起;随后“气韵”逐渐不再从外物中求取,而是转向创作者的内在品格,而笔墨之法也随之改变;最后,随着技法的发展,笔墨在绘画创作和欣赏中逐渐获得相对独立的地位,而关于笔、墨、心之间相互关系的讨论也更加受到重视。

论中国画的用笔与用墨

中国画的精髓在于笔墨之美,关于中国画的用笔与用墨的理论与实践研究,从古至今已有许多。笔墨两个字的含义已经不仅是工具的名称,它已成为中国画技法的代名词。该文通过对中国画宏观概念的梳理与认识以及自己的艺术实践,重点探讨了用笔与用墨的表现手法。从中不难看出,学习中国画先要学会怎样用笔和用墨,笔墨所具备的独特审美价值是不容忽视的。

略论笔墨技法及其关系

笔墨作为中国书画艺术的语言形式,有着悠久的历史。笔墨相依而生,笔是通过墨而迹化彰显出来的,墨是依赖笔而付诸生命和活力的。技巧的得来是练能获技,熟能生巧。中国书画强调有笔有墨,两者相辅相成,不可偏废,情至深处,笔亦是墨,墨亦是笔。要运用好笔墨,须有一个不断修炼的漫长过程,就习画者来说,在探索笔墨的同时,还要多读书,如四书五经,诸子百家等,提高自身的文化道德修养,以使驾笔驭墨既无手障也无心碍,达到得心应手,笔随心动,意随笔生,形随笔现,神随迹化之浑然天成的自由境界。

笔墨即我心——谈当代语境下的中国画创作实践

在中国画创作实践过程中,认知是极为重要的,特别是对中国画笔墨本体的认知决定了一个艺术家创作水平的高低。长期的创作实践使我认识到,构建一幅作品的笔墨关系时,“我”作为创作主体,画面里笔墨生成的关系是以“我”的意志为转移的,它反映的是画家个体视角下的时代感知,是关系到“我”的笔墨表达方式。

水墨的救赎

水墨画本是中国画中纯用水墨的画体。相传始于唐代,有“水墨山水”、“水墨松石”等题材,至宋、元、明、清成为文人士大夫抒情寄兴、状物言志的主要艺术形式。这种画体强调笔墨关系,以笔法为主导,墨随笔出。

露落荷残墨满池——吴晓东作品浅析

吴冠中说的“笔墨等于零”,并不是要取消笔墨,而是要从已经程式化的笔墨关系中解放出来,重新塑造这个时代的审美,表现灵动的人生,吴晓东就是这样的实践者。他的艺术之路是从中国传统水墨写意绘画起步的,空灵清雅的意味比较明显,对传统的依恋之情处处溢表。

水墨人物写生中笔墨元素的个性表现

本文通过写生实践,分析笔墨元素的个性、笔墨元素的个性化与直觉的关系、笔墨元素之间的关系,论述笔墨元素的个性表现。

“视乎冥冥,听乎无声”——中国水墨画精神

中国原始社会的彩陶绘画，是用刀刻形，笔涂色。商周时期，绘画、刺绣、染丝等工艺统称为“画缋之事”。汉魏时期，用“丹青”指代“五色”和绘画。自唐代王维提出“夫画道之中，水墨最为上”，张彦远提出“是故运墨而五色具，谓之得意”之后，五采的艳俗谨细即被视为画患，水墨的清雅淡逸被提到意象核心层次，视为神妙。