当代大学生舞蹈训练机制的实效研究

随着文化交流的加强和舞蹈教育的普及,大学生对舞蹈的兴趣和参与度日益增加。优化大学生舞蹈训练机制,可以培养更多具有舞蹈素养和艺术修养的青年人才,为文化艺术事业的发展和繁荣做出贡献。本研究旨在通过深入分析和实证研究,提高大学生舞蹈训练的质量。一、评估指标体系构建(一)效果评估指标学生舞蹈技能水平:通过舞蹈动作的准确性、舞蹈技巧的掌握程度和舞蹈风格的表现等方面评估学生的舞蹈技能水平。

舞蹈艺术理论发展与人才培养——评《大学舞蹈教育教学思考》

舞蹈艺术作为一门独特而深刻的表演艺术,自古至今一直是联结人类文化的纽带。舞蹈艺术的理论发展与人才培养,不仅关乎艺术形式的演绎,更涉及着社会、文化、教育等多个层面的交汇与融合。在当今飞速发展的社会背景下,舞蹈艺术理论的深化与人才培养的创新成为不可忽视的重要议题。《大学舞蹈教育教学思考》一书包括舞蹈艺术理论的基础、舞蹈教育的发展与人才培养、大学舞蹈教育学科课程设置与教学、大学舞蹈编导教学策略、大学舞蹈编创实践教学、大学舞蹈鉴赏理论教学以及大学舞蹈教育改革与未来展望等七个章节。

舞蹈教学中音乐与舞蹈的关系和运用

音乐和舞蹈作为两种不可或缺的艺术形式,彼此之间存在着深刻的共鸣。音乐是舞蹈的灵感之源,也是舞蹈表达情感和意义的媒介,还能为舞者提供灵感和创造力。舞蹈和音乐在舞蹈教学中不可分割。在舞蹈教学中,舞蹈教师可以引导学生分析音乐的节奏、旋律和结构,使他们更好地理解音乐与舞蹈之间的关系。教师还需要深入了解音乐与舞蹈之间的关系,以便更好地指导学生,提高学生的音乐感知和音乐理解能力。

现代舞蹈服装设计中的民族艺术元素的融入研究

现代舞蹈是一门充满创造力和表现力的艺术形式,融合了舞蹈、音乐、戏剧和视觉艺术,为观众呈现了多样化的视听盛宴。舞蹈服装在现代舞蹈表演中扮演着至关重要的角色,不仅仅是演员身份的象征,还能够传达角色情感和故事情节。然而,现代舞蹈服装设计并不仅仅是一种装饰性的工作,也是一门艺术,可以通过融入民族艺术元素来丰富舞蹈演出的内涵和表现力。因此,深入研究现代舞蹈服装设计中融入民族艺术元素的方法和策略,有助于提高舞蹈演出的艺术品质,促进文化传承和创新。

舞蹈创编过程中创新与创造力的探索

舞蹈是一种体现人类身体灵活性、美感和创造力的艺术形式。舞蹈创编是指舞者或编舞者通过对舞蹈元素的选取、组合和变化,创作出具有独特风格和内涵的舞蹈作品。创新与创造力是舞蹈创编中不可或缺的元素,它们起到了推动舞蹈艺术发展和突破的重要作用。

数字化视域下新媒体舞蹈的发展对传统舞蹈创新的推动意义

信息技术的发展与进步,为艺术创新提供了广阔的空间与平台。传统舞蹈在新媒体技术的应用下推动了多元化舞蹈创作,丰富了传统舞蹈的艺术内涵和传统舞蹈的创作形式,拓宽了传统舞蹈的传播空间。数字化视域下新媒体舞蹈要持续转变思维观念,坚持创意驱动、美学引领。在舞蹈艺术创编方面要坚持科技赋能、创新融合,不断拓宽舞蹈艺术的表演空间。强化时代观念,为舞蹈艺术创作融入个性化元素,切实做到舞蹈艺术与时代发展与时俱进。学会借助媒体手段,不断拓宽舞蹈表演传播的深度和广度,从而推动新媒体舞蹈在数字化视域下的发展与传承。

体育舞蹈审美结构中的运动性与可塑性

现探讨体育舞蹈审美结构中的运动性与可塑性。通过文献综述和实证研究,分析运动性与可塑性在体育舞蹈中的作用。运动性是体育舞蹈审美结构的基础,体现了舞者技术水平和舞蹈动作的流畅性;可塑性则强调舞者个性化表达和创造性呈现,为舞蹈作品增添了丰富性和独特性。通过对运动性与可塑性的研究,可以更深入地理解体育舞蹈的审美特点,为提高舞蹈作品的艺术水平提供理论指导和实践支持。

舞蹈解剖学在芭蕾基训课中的应用研究——以髋关节“外开”训练为例

芭蕾是约五百年前诞生于意大利和法国宫廷的古典学院派剧场舞蹈体系,后传播至世界各国,并在长期实践中形成了科学的训练体系。自20世纪20年代芭蕾传入中国后,芭蕾基训课也作为一门舞蹈基础训练课程,被纳入我国培养舞蹈人才的必修课中。芭蕾基训课的训练需经过科学细致的长期规划。

舞蹈生态学视域下中国当代舞蹈的流变与反思

“舞蹈生态学”是二十世纪九十年代提出的跨学科舞蹈研究方法,它将舞蹈视为一种“以人为本”的文化现象,主张以舞蹈为核心,研究舞蹈与舞蹈生态环境之间的相互关系。“舞蹈生态学”把舞蹈置于相互关联、相互作用的系统中进行宏观的、多维的综合思考。

浅谈基本功训练课对舞蹈演员的重要性

随着舞蹈行业的不断发展,对于从事舞蹈事业的演员也提出了更高的要求。需要舞者具有较全面的素质。舞者是用自己的肢体和情感去塑造、传播美的。肢体的灵活运用对于舞蹈演员是很重要的。只有很好地运用自己的肢体才能塑造出更多优秀的舞蹈形象,给观者以美的享受。作为培养舞蹈演员的一门主要课程——舞蹈基本功训练课具有很重要的意义。作为一名舞蹈演员,不论是芭蕾舞演员、民族民间舞演员,还是现代、古典和中国舞演员,都需要经受良好的基本功训练,因为这是对其在舞蹈表演技术上的支持。拥有良好的基本功,才能灵活运用自己的手、眼、腰、腿及表情和动作去表现美、享受美、传播美。

中国舞蹈艺术的审美文化观——内外部相融的舞蹈研究方法论探讨

舞蹈创作和批评研究既包括“生命体”身体意识和时空关系的内部规律探讨,也要阐释舞蹈与人类其他社会实践的外部规律联系,内外部结合的方法论很有意义。舞蹈分析与动作分析并非相同概念。舞蹈创作和研究从业者除了提升动作分析理论,还应密切关注新的编舞走向和跨学科的舞蹈研究趋势。20世纪八九十年代以来,西方舞蹈学者的舞蹈分析框架,融入了文化研究,揭示出仅作动作分析或内部研究的局限性;中国舞蹈学者的元素分析、形态分析也与舞蹈文化密切相关。在全球在地化和全媒体时代,作为一种方法论,舞蹈艺术的“审美文化观”将舞蹈创作到批评视为审美文化活动,承袭了古今中西文化汇通的中国美学、文学、理论界和舞蹈学的相关研究,自律论、他律论与通律论相辅相成,重视具体的真实的人本体,一方面强调侧重内部研究的“跨媒介性”视角,另一方面也倡导将内外部打通的“跨文化”观,尝试既在审美中看舞蹈文化,也在文化中看舞蹈审美,是一种具有“中国式现代化”路径的文艺观和方法论。“点线面体”充分融合的审美文化四面体图式,基于艾布拉姆斯“四要素”三角和格里斯沃尔德“文化菱形”理论基础,融入拉班动作分析四面体思路,并与中国人文社科学术界倡导多年的“审美文化”研究相通。

高校舞蹈教育现状与发展展望——评《高校舞蹈艺术教育教学研究》

在当今社会,舞蹈教育已成为高等教育体系中不可或缺的一部分。舞蹈教育在高校教育中的地位逐渐提升,但其发展却仍然面临诸多挑战与困境。《高校舞蹈艺术教育教学研究》一书通过全面剖析高校舞蹈教育的教学模式、师资力量、教学资源以及学生参与度等多个方面,深入探讨了当前高校舞蹈教育的现状,提出对未来发展的展望。在探讨高校舞蹈教育现状之前,该书首先对舞蹈的概念、起源、特征、分类,以及舞蹈艺术的结构、语言和相关的音乐美术元素进行了全面介绍,接着,将视线转向了中国舞蹈艺术的发展历程。通过对中国古代舞蹈的追溯、民间舞蹈的传承与发展以及现代舞蹈的探索与实践,全面呈现了中国舞蹈的深厚底蕴和无限魅力。这一章节不仅展示了中国舞蹈的丰富多彩,也为理解高校舞蹈教育的文化背景提供了有力的支撑。

新媒体时代舞蹈创作的创新与融合——评《新媒体舞蹈概论》

新媒体技术发展迅速,在我们生活的各个领域都可以看到新媒体技术的身影。新媒体技术的发展推动了新的艺术创新浪潮的出现,舞蹈是艺术文化的重要组成部分,在新媒体时代,可以将舞蹈的创作创新与新媒体技术相融合,充分运用新媒体技术来推动舞蹈创作的现代化发展,进一步彰显舞蹈之美。新媒体技术的引入使得舞蹈艺术创作的题材进一步拓宽,也给予了创作人更多的创作空间以及创新路径,在舞蹈创作过程当中,创作者的想象力得以充分发挥,舞蹈的呈现也更具个性。 舞蹈不在局限于舞者的动作表演,创作者可以充分发挥自身的想象力, 新媒体技术融入到舞蹈创作当中,将舞蹈无法呈现的内容运用新媒体技术呈现出来,进一步展现舞蹈的艺术魅力。

“全球视野”下的民族舞蹈和世界舞蹈——兼谈中国舞蹈艺术的审美文化观

20世纪以来,以舞台演绎形态出现的中国各类舞蹈和舞剧都呈现出“民族性”与“世界性”的混融,所不同在于主体文化和他者文化的不同强调。从“渊源差异”角度,中国舞蹈可分为民族舞蹈与世界性舞蹈。从“时代性质”角度,当代中国应跳脱“现代即西方,传统即中国”的思维模式。两者的关系既体现为差异性,也可以有相融、互通、互补的因素。在自觉建构“中国式现代化”的舞蹈文化的过程中,既需要回望并重新发现“传统”,也需要在“全球视野”下“讲好中国故事”。

从“两汉析舞”到“甲骨寻舞”——彭松中国古代舞蹈史研究取向述评

彭松(1916—2016)是我国著名古代舞蹈史研究家。在新中国首部《中国古代舞蹈史》编著中,彭松执笔“秦汉、三国、两晋、南北朝”部。也就是说,在中国古代舞蹈的通史研究中,“两汉舞蹈”是他的研究主场。为此,他在汉赋、乐府诗与汉画像的融通研究中取得了骄人的成就。接着,他借“敦煌舞”之题拓展出“隋唐舞蹈”研究的新想象——不仅揭示出《西凉伎》与“敦煌舞”的文脉关联,而且从日本“唐舞图”和朝鲜“李朝宴乐”探寻唐、宋舞蹈在流变中的内质。再接着,他聚焦周代《大武》舞去探讨中国古代史诗性歌舞剧的叙事策略和诗、乐、舞结构。最后,他以“古稀”之龄倾力“甲骨寻舞”,留下了许多有价值的成果和有启迪的思路。

舞蹈艺术教育中的民间舞蹈与现代流行舞蹈同构——评《高校舞蹈艺术教育教学研究》

随着全民素养的不断提升,舞蹈艺术得到了迅猛发展,成为培养学生合作能力、审美能力和创造力的有效途径。然而,在高校舞蹈艺术教育发展过程中,舞蹈教学尚不能适应“推进教学创新、培养综合素质人才”的要求,需要从认知、构建和意义三方面进行深度探索。马丽老师著作的《高校舞蹈艺术教育教学研究》一书对高校舞蹈艺术教育教学进行了深入研究,对传统民间舞蹈与现代流行舞蹈同构的研究具有借鉴意义。全书共分为八个章节。第一章是舞蹈艺术基础知识,对舞蹈的概念、起源、特征、分类、结构、语言、音乐及美术等作了详细阐述。第二章是中国舞蹈艺术历史进程,以舞蹈历史为主线,从古代舞蹈、民间舞蹈、现代舞蹈等三方面进行探索,特别提出了相互之间的融合。

音乐剧中舞蹈的存在方式、独特价值与创作思考

音乐剧是一种融合了音乐、舞蹈等艺术要素的戏剧类型,音乐剧中的舞蹈具有促进情感互动与交流、推动故事情节发展、塑造鲜明人物形象等价值。为了使舞蹈在音乐剧中的作用得以充分发挥,必须提升其创编质量。可从以下几方面入手:一是结合不同语境创编舞蹈动作,展现特定内涵;二是注重舞蹈中主次关系的巧妙处理,做到相得益彰;三是注意舞蹈与其他表现载体的配合,增强戏剧效果;四是从民族舞蹈和地方舞蹈中汲取精华,凸显本土特色。

非遗传统舞蹈在高校舞蹈教学中的保护与传承

近年来,高校舞蹈教学对培养舞蹈专业人才,促进中国舞蹈发展,弘扬民族舞蹈文化等方面具有重要且积极的作用。非遗传统舞蹈与高校舞蹈教学的融合,既是保护非遗传统文化的重要途径之一,也是有效保护、传承和发展非物质文化遗产的重要渠道。因此,高校舞蹈课程教学与非遗文化的融入是时代发展的必然趋势,也是当前高校舞蹈课程教学改革的重要命题。

高校舞蹈教育与创作的实践性探索——评《舞蹈教学与创作实践》

高校舞蹈教育是传承舞蹈技艺、培养舞蹈人才、促进舞蹈艺术繁荣发展的最重要手段。在新的时代背景下,国家对于“美育”的重视,为高校舞蹈专业的发展提供了肥沃的政策土壤。高校立足于人民群众的精神文化需求、国家舞蹈艺术发展需求,探索面向未来的中国舞蹈高等教育及舞蹈创作,具有极强的时代紧迫性。舞蹈教育与舞蹈创作紧密相连、相互依存,在舞蹈教育过程中激发舞蹈创作灵感,舞蹈创作与创新则为舞蹈教育注入新的灵魂,高校舞蹈教育应将二者有机结合,促进中国舞蹈艺术的高质量发展。

舞蹈演员转型为舞蹈教师:技艺传承与教育责任

舞蹈,作为一种具有重要文化和艺术价值的形式,其传承和发展至关重要。在舞蹈艺术界,舞蹈演员职业生涯的结束并不意味着艺术生涯就此结束,舞蹈演员的知识、技能和经验仍然有巨大的价值,可以通过教学的方式传承下去。基于此,本文从舞蹈艺术的持久性和延续性的角度出发,探讨舞蹈演员如何在自身职业生涯的转变中实现艺术的持久传承,并提出了具体的教学策略,以供参考。