郑德仁:见证上海爵士乐的变迁

“香槟酒气满场飞,钗光鬓影恍来回,爵士乐声响,跳rumba才够味。”至今还耳熟能详的歌曲《满场飞》在20世纪40年代的上海,在有着弹簧地板舞池的百乐门,几乎夜夜上演,为歌曲伴奏的是风靡一时的吉米·金乐队。当时的上海,电影、时装、戏剧几乎都与欧美同步,如果称彼时的上海是亚洲唱片业中心亦不为过。无线电台的出现与绚丽璀璨的舞厅让爵士乐在上海迅速传播开来,它与这座城市似乎有着相同的气息。而这里的爵士乐因为国语流行歌曲的走红而晕染了上海的色彩。吉米·金乐队是上海第一支华人爵士乐队,这在当时以国外乐队为主的乐坛显得尤为抢眼。

舒伯特《钢琴奏鸣曲Op.120》中的多维音乐结构

文章以舒伯特《钢琴奏鸣曲Op.120》为例,对该部作品的音高、节奏、织体等多维音乐要素进行了综合分析,从要素节律的“同步变化”和要素节律间的“匀称比率”、要素节律的“异步变化”和要素节律间的“非匀称比率”以及要素节律的“同步变化”、“异步变化”的结合三方面,来探讨了这些“变化”、“比率”对音乐的动力、结构力的作用,并与申克的还原体系分析方法进行了比较。

中国传统音乐美学思想中的情感命题研究

引言在中西方音乐美学历史中关于音乐是否能够表现情感一直是音乐美学争论的焦点,也成为了音乐美学领域研究的核心问题。以西方为例,19世纪浪漫主义音乐思潮席卷欧洲大陆,音乐创作上表现为对个人情感的崇尚,舒曼、肖邦、李斯特、瓦尔纳等一批音乐家推崇音乐情感论,李斯特认为音乐应当以情感内容的表现为其艺术价值的标准,并把情感的主体性扩展到纯音乐的领域之中。

古钢琴演绎巴洛克音乐的若干问题

拨弦古钢琴(harpsichord)是巴洛克时期表现功能最强,应用最广泛的键盘乐器之一。随着它的制造工艺的日趋精湛完善,表现力也随之不断增强,在巴洛克时期发展到了顶峰,出现在家庭、教堂、宫廷、歌剧院中,担当着重奏、室内乐、协奏曲等音乐体裁形式中数字低音的和声伴奏,更是拥有着数量繁多,风格迥异的独奏曲目。古钢琴简单的机械构造不可能做出像现代钢琴那样具有强烈反差的渐强渐弱,圆润歌唱的声音,但作为一个特定历史时期的乐器,有它独特的音乐语汇和表现手法,与当时巴洛克风格紧密相连。本文从古钢琴特有的演奏技法来阐述它是如何在声音、节奏、装饰、演奏法等方面原汁原味的表现巴洛克风格的特点。

钢琴表演艺术中的多声部逻辑与音乐语言

本文通过对不同时期、不同风格的钢琴音乐文献的分析,阐明了多声部音乐语言的组织形态(基于"功能和声序进"、"音高素材组织"以及"声部进行逻辑"所形成的三种不同类型的多声部织体)之间的联系和区别,对钢琴多声部音乐语言结构作以简要梳理,为钢琴教师提供了一条多声部音乐语言的认识途径,以便更好的促进钢琴教学,提高学生的钢琴演奏水平和音乐鉴赏能力。

二胡音乐创作中的多元风格取向——以体裁、技法、地域、类型为经纬

当代二胡音乐创作呈现出多元风格取向,有与不同音乐体裁形式相对应的体裁风格,有不同作曲技法体系所决定的技法风格,有凸显不同地域文化特征的地域风格,还有体现不同音乐文化类型文化形象和精神气质的文化品格。体裁风格、技法风格诉诸音乐形式,地域风格、文化品格不仅诉诸音乐形式,而且还常常与音乐内容相关。四者间也存在重叠和交叉,最终构成一个以体裁、技法、地域、类型为经纬的风格体系。二胡音乐创作和表演就在于认识和把握这四种意义上的音乐风格。

浅析斯特拉文斯基钢琴音乐的节奏特点

本文主要通过对斯特拉文斯基钢琴音乐作品进行分析，通过其呈现出的多样的节奏特点，加深对斯特拉文斯基作品创新性的理解。

德彪西钢琴音乐创作中的节奏处理--兼述梅西安之观点

法国印象主义音乐的开创者德彪西以一己之力开辟了全新的作曲世界,尤其是其作品中隐含的强烈结构感及奇特的节奏处理,影响了后世无数作曲家。文章在梅西安分析成果的基础上,以德彪西钢琴作品为研究主体,对其作品的节奏特征进行有针对性的补充。

古典音乐在电影配乐中的作用体现

随着电影艺术的发展,电影配乐的选择和应用引发了越来越多的关注。而一向以“高冷”示人的古典音乐也在电影配乐中寻求到了合适的定位。古典音乐的特点为其在电影音乐中获取生存空间提供了基础和保障,古典音乐的严肃性和逻辑性,古典音乐的艺术性和审美性以及古典音乐传播的面对面特征,都要求古典音乐将电影作为传播媒体。而古典音乐在电影中可以起到渲染气氛、烘托主题和紧扣情节、增强感染力的作用。

音高组织的多维碰撞与共生——读姜之国的《音高组织技术的理论与实践》

姜之国《音高组织技术的理论与实践》作为一部体现学术创新的作曲技术理论著作,提出了四种音高组织技术。这四种音高组织技术分别属于不同的音乐作品,但有时也会同时出现在一部作品中,呈现为大小调功能体系与音程思维的碰撞、大小调功能体系与民族调式的共生、音程集合体与潜在调性因素的交织、序列音乐与潜在调性因素的共生。这种碰撞与共生既与“共性写法技术”有较大关联,又与音乐创作中潜在的感性因素息息相关。

基础阶段和弦连接听力训练的标准及规范

本文就视唱练耳常规听力三内容之一的听和弦连接训练做了受教者能力准备方面的阐述。提出了固定音高能力不强的受教者听和弦连接的有效方法,揭示了“理论指引听力”的重要性。结合作者自身的经验,具体而全面地论述和弦连接的训练进程;阐明了和弦连接在书写与听觉思维过程中的各种规范与标准;思考了和弦连接作为听力重要内容在视唱练耳课以及专业音乐者音乐生涯中的训练意义。

歌剧《康定情歌》的创作语言特征研究——以唱段《远眺穹苍》《星星》《终曲》为例

《康定情歌》是上海音乐学院为庆祝中国共产党成立100周年而创作的民族歌剧。该剧以四川民歌《康定情歌》作为音乐素材,由作曲家周湘林教授与丁缨教授作曲,是一部在中国民族歌剧史上具有划时代意义的作品。笔者从中挑选出《远眺穹苍》(独唱)、《星星》(二重唱)、《终曲》(齐唱)三个唱段,试图揭示作曲家对于人声旋律的处理、和声走向的设计以及配器语言的控制等方面所体现出的精湛技巧与艺术底蕴。

当下中提琴教学模式现状分析及研究

在社会生活的快速发展下,艺术教育的普及范围不断扩大,人们的人文素养与艺术素养不断得到提高。早前相对冷门的乐器——中提琴的教学发展呈现出蓬勃向上的趋势,也渐渐开始得到人们重视,成为大家关注的焦点。以艺术教育为理论基础,通过观察分析中提琴与其他器乐之间的联系与不同之处,剖析当前中提琴教学相对薄弱的环节,提出并探讨其问题所在,并对其相关问题提出针对性的思考与建议,尝试找到中提琴更为合理的教学模式。

中提琴“集体演—听—评”教学模式初探

论文主题涉及中提琴的教学。论文在分析了个别教学利弊基础上,提出集体演—听—评,区分出与集体授课在对象、身份和过程上的不同之处,说明了该模式的组成部分,最后结合中提琴教学实例重点阐述了集体演—听—评的运用情况。

论早期欣德米特中提琴作品特点与演奏

本文介绍了德国作曲家、中提琴演奏家欣德米特早期创作历程,集中阐述了这一时期他的中提琴作品创作风格,概括出这些作品所具有的六大特点,即新调性体系、和声张力的不同等级、多声部旋律交织的新对位手法、二度的旋律构成及旋律进行、精细化的力度表情记号、传统的奏鸣曲式结构等,并结合作品做了具体说明。论文通过他作品的典型片段详细剖析了中提琴和弦与旋律练习与演奏的特殊要求。

中提琴教学模式的构建研究

本文的目的是在评述小提琴和音乐教学模式基础上构建中提琴的教学模式。本研究分析了目前小提琴教学模式内容的相关研究,总结了小提琴教学模式认识视野的局限性及其教学模式本身的不成熟性,提出近年来相关研究在教学理念、教学目标、教学方法等方面的改进趋势。本研究同时总结了音乐教学模式在教学实践和模式构建上的现状,教学实践方面已改进了某些弊端,而模式构建更多地属于理论构想,为中提琴教学模式的构建指明了方向。本研究旨在解释教学模式的涵义、构成要素基础上,围绕中提琴的教学模式构建,重点分析和阐明教学目标、教学程序、教学方法及教学评价应该如何科学、合理的设计。

琵琶“情”况研究

琵琶"情"况研究,即"情"况是人的情感状况,这里主要是指乐器发出的声音状况可能有所关联的人的情感状况,本文以琵琶这件中国乐器为个例,界定为琵琶传统曲目范畴,就情感状况与声音、意境相互关系,人的情感状态下的琵琶声音、琵琶音乐的呈现状况以及琵琶感性状态的修辞研究等方面进行论述。

琵琶“声”况研究

本文以浦东派琵琶艺术为切入点,通过对具体研究对象的理论发掘,提出"声"况研究,"声"况是指音乐的声音状况,这里主要是指乐器发出的声音状况,或者说这种声音所具有的特性;"况"一方面是指存在状况,另一方面是为况味、情趣。在本文中以浦东派传统曲目中琵琶的声音为个案进行研究,以此研究其审美情趣与其声音间的特殊性。

琵琶“意”况研究

琵琶"意"况研究,首先由琵琶艺术的审美意识着手,探究琵琶艺术中的雅俗通变、俗乐兴起、虚实对比等方面;其次是论述与意相关联包括意与象、意与境、象与境关系,并进行梳理,提出意象、意境的表意性、情感与境界、超越与返观三重关系,其中引入与之相关的西方现象学哲学中音乐的意义问题、意向概念等等;再就琵琶"意"况进行归纳与诠释。

艺术歌曲《云之泪》创作札记

艺术歌曲是一种专门的声乐体裁,它是精致的、典雅的、诗化的、浪漫的,具有较强的抒情性、歌唱性和艺术表现力。艺术歌曲是诗与乐的融合,是人与琴的交互,它的意蕴深邃而丰富、情趣高雅而自在、结构精巧而洗练、技术细致而复杂。基于以上对艺术歌曲的认识和理解,该文将《云之泪》(为女中音与钢琴)创作过程中有关歌词的选取、旋律的特征、节奏节拍和速度特点、和声的运用以及钢琴织体的写作等方面的内容加以分析、归纳、总结,力求寻找一些可遵循的规律和方法。