视觉时代的专业美术出版

美术出版以视觉传达为主要方式。在这个视觉时代,专业美术出版面临着独特的境遇：一方面,在阅读碎片化、数字化与网络化的大背景下,专业美术出版社以传统纸质为主的产品与其他以文字为主体的出版社一样,日益受到市场空间与阅读习惯改变的挤压;另一方面,美术特有的画面感、原作感、尺幅感,又使专业美术出版社依旧有着特别的优势。

论中国书籍装帧设计的文化性

一我们生活在传统文化构筑的世界里书籍是文化的载体,是一种特殊的商品,文化性是它的特质。对于书籍设计来说,抓住这一基本特质是必要的前提。

世界美术史的奇观

神奇的中国总是在不断创造世界新奇迹。今天的中国美术一定在世界美术史上占有特殊的地位,写下重要的一页。但,并不是说中国有多少世界级的艺术大师,有多少传世名作,而是中国产生了世界美术史上从未有过的、社会各界大规模参与美术的疯狂浪潮。中国的艺术热中美术是沸点之一。少年宫、老年大学的培训班极为火爆;各级机关纷纷成立书画院,政府官员纷纷泼墨挥毫;美术院校招生成为国家新闻、城市景观……

谁能代表中国

谁来代表国家，谁能代表中国？这个问题在美术界真的不好说。因为艺术与科学不同，缺乏公共标准，美术也与体育不同，不能通过比赛来定高下，美术更像奥斯卡而不是奥林匹克。

20世纪下半叶中国画专业人才培养创新机制研究

本文基于20世纪下半叶的历史发展进程,尝试探讨中国画专业如何进行人才培养,并如何在学院教学中实现机制创新等问题。首先,论述了中华人民共和国成立以来中国画招生与学生培养机制的发展;其次,深入分析了现代中国画高等教育教学机制;再次,对于中国画专业教师培育机制进行了研究;最后,提出并总结了中华人民共和国成立至20世纪末的五十余年时间,中国画专业人才培养及机制创新的重要成就。

中国笔墨语言与书籍设计的传统意味

本文分析了中国笔墨语言的审美取向对当代书籍设计具有的双重意义:一、中国笔墨语言对书籍设计精神层面的影响:中国笔墨语言主要以水墨的形式体现出来,根源于老庄哲学思想的自然之性,是中国的哲学思想在艺术审美上的一种体现,而书籍设计中的很多原理,与中国传统绘画实践不谋而合。二、中国笔墨语言与书籍设计在美感上有相通之处,通过中国画图形、结构、理法、文字、色彩、材料等各种符号因素的融合可以传达充满人文气质和书卷气息的书籍设计理念。同时阐述了中国书籍设计创新所要遵循的原则:中国笔墨语言对书籍设计的影响是潜移默化的,书籍设计中应用本土文化元素不能放弃时代特征,需具备当代性;传统文脉与异国文化符号无法生硬融合,在书籍设计中应该融冶中国元素与多元语境。

玉不琢,不成器——论书籍装帧设计背后的“工匠精神”

当代的书籍装帧设计师在喧嚣中坚守传承千年的"工匠精神",面对当代书本阅读呈现被"电子化"和"碎片化"蚕食的趋势,书籍装帧设计者作为"能工巧匠",在书籍和读者之间架起一座桥梁,思考如何体现书籍装帧设计的现代感背后的古意,也即"书卷气",用隐喻性、交互性、唯一性等手法来传达充满人文气质的、书卷气息的现代设计理念,吸引人们去阅读,体现了对"工匠精神"的至高追求。

书籍设计的书卷气息

电子阅读的风潮冲击着世界各地纸质书籍的生命力,书本阅读呈现出"电子化""碎片化"的趋势,当代书籍设计的理念也在数字技术革新冲击下逐渐蜕变。书籍设计者作为"文化信使",应思考如何体现书籍设计的"书卷气",用易读性、独创性等方式来传达充满人文气质的、书卷气息的设计理念,并且把新的设计观念和思维通过具体物质呈现,重塑书籍的生命,让中国书卷精神被不同文化背景的世界同行和读者翻阅。

让看不见的手来决定

价格是价值的货币表现,书画价格高低应该或者通常体现出作品价值的高下。但刻度标准为什么会定在按尺论价,而不是按质论价？问题在于,艺术品的内在价值无法精准衡量,总是见仁见智,商品交易又非得货银两讫,要买卖,总要有价钱,要价钱总要有标准,就像古代的度量衡。

堵不及疏,政府应有所作为

我以前总是抱怨,美术院校把学生都教傻了,现在看来不全对,也有教明白的。美术院校的学生,在自己的毕业展览上留下自己的联系方式,就是宣布自己的成熟与冷静,以这样直接的表达,接受市场的检验,迎接人生的挑战。小孩学美术还不算是极端,在中国残酷的是学演奏,中国新闻网2013年12月报道,据中国音乐家协会消息,中国学钢琴人数已经超过3000万;也有消息说,学小提琴的不少于1000万,绝大部分是少年儿童。学音乐,尤其是学演奏的人,很苦,比如学小提琴,从3至5岁开始练,再晚一点练就不行了,因为演奏要童子功。通常每天练1小时,全年无休,每周老师指导一次,能不能靠此谋生,练20年未必有结果。

书法+苹果=书非书

书法是中国传统文化的标志，苹果手机是现代科技时尚的典范，通常两者难以融合，但这一次却很成功。虽然有些怪，但并未过火，意料之外，情理之中。 首先，它是传统的又是时尚的。 原本书法习作或者创作是在雅室案前，静静写来， 缓缓书去，心平气和地进行的，就是狂草也不是真的疯狂。但现时代与古时代到底不同了，中国书法家日益显示出在公众面前的自信，原本书法是室内雅赏，尺幅不大，而大字是写店招用的，现在书法成为展览，而且展示空间一再扩大，一个书法家的展览，没有一些如墙尺幅的骇人听闻作品，就说不过去了，不大不惊人（当然，现在书法也是以尺定价，大的价高，那是另一回事）。在这个商业发达、经济繁茂的时期，书法也日见时尚，身不由己地脱离了传统样式。

“东西”新江南——评陶文杰的油画特色

陶文杰浙江杭州人,1958年生,毕业于中国美术学院。中国美术家协会会员,浙江省美术家协会理事,国际儿童读物联盟中国分会（CBBY）第二届中国安徒生（插图奖）得主,现任浙江摄影出版社社长、总编。作品《星火计划0001号》获1990年第七届全国美术作品展览铜奖、作品《快乐幼儿园》获1995年第八届全国美术作品展览浙江展区铜奖、

不是柏拉图也不要太当真

人就是奇怪，总是难以自己证明自己。画家也是如此，再牛，也还是要靠职称、职位、价位等等外部标识来证明自己的艺术水平。现代社会又进入了信息时代，传媒的威力越来越为明智人家所觉悟，因为画家与作品可选择性实在太多，画廊、f尊物馆、藏家只有看广告才能辨识方向，于是得大奖又成为证明画家价值的便捷证据。

“不理他最凶”

现在的全国美展有一个突出的优点：通俗易懂。无论在油画还是在中国画展区,不需要任何人陪同解释,或者说无需多少文字说明,观众就知道自己看到了什么,看明白了什么。对于大众来说,全国最高级别的官方专业美术展览,能看到、能看瞳,真是好事、喜事。这个,与当代艺术展不同。2014年上海双年展在日前开幕,由安塞姆·弗兰克担任总策展人,主题为＂社会工厂＂,据称旨在探讨＂社会性的生产＂和＂社会事实＂的组成要素。

各有专长 各得其所

无论从产业还是专业看，画界都构成一个长链。从产业看，从画家构思创作到作品在市场上被消费而实现价格，是一个包含多重环节的过程；从专业看，从创作到博物馆、美术馆展出与收藏，也是有不少中介环节。很少有画家能搞定这个过程中的一切程序，就像现在很少有画家自己去制笔、造纸一样。

2012普利兹克奖:这是一个孤立事件

进入20世纪以后，世界艺术逐步失去了公认标准。100多年以来，艺术，包括设计，在创作手法、材料媒介、形式表达上越来越依赖并融汇于科学与技术，但在评价标准上离科学与技术的普适性却越来越远。

不排名无以见高下

10年前，一所中国著名大学的校长就说过，现在中国大学进入了排名竞争的时代。当时大学对于排行榜还非常陌生，校长们更是十分反感。但是，10年后的今天，那些高傲的校长们不得不低下他们的头颅，虽然公开场合还嘴硬，说“不要相信那些排名榜”，私底下也在偷看自己学校的排名，或者说，如果看到今年排得比去年前面一些，还是暗自窃喜的。由此想到画家，恐『白也是如此。

为钱即废,为艺则死

前因后果 本来这期《两面三刀》的题目是“为钱画画到底对不对？”后来一想，不对——是自己的题目不对!为钱画画有什么错？当然是对的。这在今天难道还是问题吗？但问题还是来了。你有没有听到有哪一位“大画家”（那些名头大的、地位高的和那些自认为是真正的艺术家的人）说过，“我就是为钱画画的。”肯定没有。如果你听到哪一位画家这么说，那么就恰恰说明此人非名画家更非大画家。就像一个农民工会理直气壮地说，

还是明星制算了

从现象上看，现在的书画家与娱乐明星相似的地方太多了，以至于很难找出他们不一样的地方。如果按某种理解，不严格地说，现象就是本质，或者如一些书画家自言自语的那样，无所谓本质，那么，可以认为，书画家就是娱乐明星，书画界就是娱乐圈。

李格尔与“艺术意志”的概念

维也纳艺术史学派最主要的代表李格尔的“艺术意志”的概念，是西方艺术史学史上的一个最著名，也是争议最多的概念，它曾在 20世纪初叶对东西方的艺术运动、艺术史及美学理论产生过广泛的影响。即使在它出现于艺术史论坛一百多年后的今天，我们耳畔仍常听到它遥远的历史回音。虽然在我们看来这是一个“前科学”的概念，但李格尔对于艺术史的伟大贡献却都是以这一概念的名义作出的。